Дзіну Ліпаці (Dinu Lipatti) |

Дзіна Ліпаці

Яго імя даўно стала здабыткам гісторыі: з дня смерці мастака прайшло каля пяці дзесяцігоддзяў. За гэты час на канцэртных сцэнах свету ўзышлі і зайшлі многія зоркі, вырасла некалькі пакаленняў выдатных піяністаў, замацаваліся новыя накірункі ў выканальніцкім мастацтве – тыя, якія прынята называць “сучасным выканальніцкім стылем”. А між тым, спадчына Дзіну Ліпаці, у адрозненне ад спадчыны многіх іншых буйных мастакоў першай паловы нашага стагоддзя, не пакрылася «музейным флёрам», не страціла свайго шарму, сваёй свежасці: аказалася быць па-за модай, і больш за тое, не толькі працягвае захапляць слухачоў, але і ўплывае на новыя пакаленні піяністаў. Яго запісы не з'яўляюцца прадметам гонару для калекцыянераў старых дыскаў - яны перавыдаюцца зноў і зноў, раскупляюцца імгненна. Усё гэта адбываецца не таму, што Ліпаці цалкам мог бы быць сярод нас, быць у росквіце сіл, калі б не бязлітасная хвароба. Прычыны больш глыбокія – у самой сутнасці яго нестарэючага мастацтва, у глыбокай праўдзівасці пачуцця, нібы ачышчанага ад усяго знешняга, мінучага, памнажаючага сілу ўздзеяння таленту музыканта і ў гэты час дыстанцыі.

Нешматлікім артыстам удалося за такі кароткі час, адведзены ім лёсам, пакінуць такі яркі след у памяці людзей. Асабліва калі ўспомніць, што Ліпаці зусім не быў вундэркіндам у агульнапрынятым разуменні гэтага слова і параўнальна позна пачаў шырокую канцэртную дзейнасць. Ён рос і развіваўся ў музычнай атмасферы: яго бабуля і маці былі выдатнымі піяністкамі, бацька быў захопленым скрыпачом (ён нават браў урокі ў П. Сарасатэ і К. Флеша). Адным словам, нядзіўна, што будучы музыкант, яшчэ не ведаючы алфавіту, свабодна імправізаваў на піяніна. Дзіцячая весялосць мудрагеліста спалучалася ў яго немудрагелістых кампазіцыях з дзіўнай сур'ёзнасцю; такое спалучэнне непасрэднасці пачуцця і глыбіні думкі захавалася і пазней, стаўшы характэрнай рысай сталага мастака.

Першым настаўнікам васьмігадовага Ліпаці быў кампазітар М. Жора. Выявіўшы ў вучня выключныя піяністычныя здольнасці, ён у 1928 годзе перадаў яго вядомаму педагогу Фларыку Музычэскаму. У тыя ж гады ў яго з'явіўся яшчэ адзін настаўнік і заступнік - Джорджэ Энеску, які стаў «хросным бацькам» маладога музыканта, уважліва сачыў за яго развіццём і дапамагаў яму. Ва ўзросце 15 гадоў Ліпаці з адзнакай скончыў Бухарэсцкую кансерваторыю і неўзабаве атрымаў прэмію Энеску за сваю першую вялікую працу, сімфанічныя карціны «Чэтрары». Адначасова музыкант вырашыў прыняць удзел у Міжнародным конкурсе піяністаў у Вене, адным з самых “масавых” па колькасці ўдзельнікаў за ўсю гісторыю конкурсаў: тады ў аўстрыйскую сталіцу прыехалі каля 250 артыстаў. Ліпаці быў другім (пасля Б.Кона), але многія члены журы назвалі яго сапраўдным пераможцам. А. Корто нават пакінуў журы ў знак пратэсту; у любым выпадку, ён адразу запрасіў румынскую моладзь у Парыж.

У сталіцы Францыі Ліпаці пражыў пяць гадоў. Удасканальваўся ў А. Карто і І. Лефебура, наведваў клас Надзі Буланжэ, браў урокі дырыжыравання ў К. Мюнша, кампазіцыі ў І. Стравінскага і П. Дзюка. Буланжэ, які выхаваў дзесяткі буйных кампазітараў, так казаў пра Ліпаці: «Сапраўдным музыкантам у поўным сэнсе гэтага слова можна лічыць таго, хто цалкам аддае сябе музыцы, забываючы пра сябе. Магу смела сказаць, што Ліпаці — адзін з такіх мастакоў. І гэта лепшае тлумачэнне маёй веры ў яго». Менавіта з Буланжэ Ліпаці зрабіў свой першы запіс у 1937 годзе: танцы Брамса ў чатыры рукі.

У гэты ж час пачалася канцэртная дзейнасць артыста. Ужо першыя яго выступленні ў Берліне і гарадах Італіі прыцягнулі ўсеагульную ўвагу. Пасля парыжскага дэбюту крытыкі параўноўвалі яго з Гаравіцам і ў адзін голас прадказвалі яму светлую будучыню. Ліпаці пабываў у Швецыі, Фінляндыі, Аўстрыі, Швейцарыі, і ўсюды меў поспех. З кожным канцэртам яго талент адкрываўся новымі гранямі. Гэтаму садзейнічала яго самакрытычнасць, яго творчы метад: перш чым вынесці сваю інтэрпрэтацыю на сцэну, ён дасягнуў не толькі дасканалага валодання тэкстам, але і поўнага зліцця з музыкай, што вылівалася ў найглыбейшае пранікненне ў аўтарскую творчасць. намер.

Характэрна, што толькі ў апошнія гады ён пачаў звяртацца да спадчыны Бетховена, а раней лічыў сябе не гатовым да гэтага. Аднойчы ён адзначыў, што на падрыхтоўку Пятага канцэрта Бетховена або Першага Чайкоўскага яму спатрэбілася чатыры гады. Вядома, гэта кажа не аб яго абмежаваных магчымасцях, а толькі аб надзвычайнай патрабавальнасці да сябе. Але кожнае яго выступленне - гэта адкрыццё чагосьці новага. Скрупулёзна застаючыся верным аўтарскаму тэксту, піяніст заўсёды падкрэсьліваў інтэрпрэтацыю “фарбамі” сваёй індывідуальнасьці.

Адной з такіх прыкмет яго індывідуальнасці была дзіўная натуральнасць фразы: знешняя прастата, яснасць паняццяў. Пры гэтым для кожнага кампазітара ён знаходзіў асаблівыя фартэпіянныя фарбы, якія адпавядалі яго ўласнаму светапогляду. Яго Бах прагучаў як пратэст супраць хударлявага “музейнага” ўзнаўлення вялікага класіка. «Хто адважыцца думаць пра чамбало, слухаючы Першую партыту ў выкананні Ліпаці, напоўненую такой нервовай сілай, такім меладычным легата і такой арыстакратычнай грацыяй?» — усклікнуў адзін з крытыкаў. Моцарт прыцягваў яго перш за ўсё не грацыяй і лёгкасцю, а хваляваннем, нават драматызмам і стойкасцю. «Ніякіх саступак галантнаму стылю», — нібы кажа яго гульня. Гэта падкрэсліваецца рытмічнай строгасцю, подлым педаляваннем, энергічным штрыхом. У гэтай жа плоскасці ляжыць і яго разуменне Шапэна: ніякай сентыментальнасці, строгая прастата і разам з тым – велізарная сіла пачуцця…

Другая сусветная вайна застала артыста ў Швейцарыі, у чарговых гастролях. Вярнуўся на радзіму, працягваў выступаць, складаць музыку. Але задушлівая атмасфера фашысцкай Румыніі прыгнятала яго, і ў 1943 годзе яму ўдалося выехаць у Стакгольм, а адтуль у Швейцарыю, якая стала яго апошнім прытулкам. Узначальваў выканальніцкае аддзяленне і клас фартэпіяна ў Жэнеўскай кансерваторыі. Але якраз у той момант, калі скончылася вайна і перад мастаком адкрыліся бліскучыя перспектывы, з'явіліся першыя прыкметы невылечнай хваробы - лейкеміі. З горыччу ён піша свайму настаўніку М. Жору: «Калі я быў здаровы, змаганне з нястачай стамляла. Цяпер, калі я хварэю, запрашаюць з усіх краін. Я падпісаў кантракты з Аўстраліяй, Паўднёвай і Паўночнай Амерыкай. Якая іронія лёсу! Але я не здаюся. Я буду змагацца, нягледзячы ні на што».

Барацьба ішла гадамі. Доўгія гастролі прыйшлося адмяніць. У другой палове 40-х ён амаль не пакідаў Швейцарыі; выключэнне складалі паездкі ў Лондан, дзе ён дэбютаваў у 1946 г. разам з Г. Караянам, сыграўшы пад яго кіраўніцтвам Канцэрт Шумана. Пазней Ліпаці яшчэ некалькі разоў ездзіў у Англію для запісу. Але ў 1950 годзе ён ужо не вытрымаў нават такой паездкі, і фірма I-am-a накіравала да яго ў Жэневу сваю «каманду»: за некалькі дзён, цаной найвялікшых намаганняў, 14 вальсаў Шапэна, Былі запісаны саната Моцарта (№ 8), партыта Баха (сі-бемоль мажор), 32-я мазурка Шапэна. У жніўні ён апошні раз выступіў з аркестрам: прагучаў Канцэрт Моцарта (№ 21), за трыбунай быў Г. Караян. А 16 верасня Дзіну Ліпаці развітаўся з гледачамі ў Безансоне. У праграму канцэрта ўвайшлі партыта сі-бемоль мажор Баха, саната Моцарта, два экспромты Шуберта і ўсе 14 вальсаў Шапэна. Адыграў толькі 13 – на апошні ўжо не хапіла сіл. Але замест гэтага, разумеючы, што больш ніколі не будзе на сцэне, артыст выканаў харал Баха ў перакладзе для фартэпіяна Майры Гес… Запіс гэтага канцэрта стаў адным з самых хвалюючых, драматычных дакументаў у музычнай гісторыі нашага стагоддзя…

Пасля смерці Ліпаці яго настаўнік і сябар А. Корто пісаў: «Дарагі Дзіну, тваё часовае знаходжанне сярод нас не толькі вывела цябе па агульнай згодзе на першае месца сярод піяністаў твайго пакалення. У памяці тых, хто вас слухаў, вы пакідаеце ўпэўненасць, што калі б лёс не быў такім жорсткім да вас, то ваша імя стала б легендай, прыкладам самаадданага служэння мастацтву. Час, які прайшоў з таго часу, паказаў, што мастацтва Ліпаці застаецца такім прыкладам і па гэты дзень. Яго гукавая спадчына параўнальна невялікая – усяго каля дзевяці гадзін запісаў (калі лічыць паўторы). Акрамя вышэйназваных твораў, яму ўдалося зафіксаваць на пласцінках такія канцэрты Баха (№ 1), Шапэна (№ 1), Грыга, Шумана, п'есы Баха, Моцарта, Скарлаці, Ліста, Равеля, свае кампазіцыі – Канцэрціна ў класічным стылі і Саната для левых рук… Вось і ўсё. Але кожны, хто пазнаёміўся з гэтымі пласцінкамі, несумненна пагодзіцца са словамі Фларыкі Музычэску: «Мастацкая гаворка, з якой ён звяртаўся да людзей, заўсёды захоплівала публіку, захоплівае і тых, хто слухае яго ігру на пласцінцы».

Грыгор'еў Л., Платэк Я.